Category: Pelicula


La Ola, The Wave

La Tercera Ola fue un experimento para demostrar que incluso las sociedades libres y abiertas no son inmunes al atractivo de ideologías autoritarias y dictatoriales, realizado por el profesor de historia Ron Jones en el marco de su estudio sobre la Alemania nazi con alumnos de secundaria. Convenció a sus estudiantes de que el movimiento eliminaría la democracia. El hecho de que la democracia enfatiza el individualismo fue considerado como un defecto de la democracia, y Jones hizo hincapié en ello a través de su lema :

“Fuerza mediante la disciplina, fuerza mediante la comunidad, fuerza a través de la acción, fuerza a través del orgullo”.

El experimento se llevó a cabo en el Cubberley High School, un colegio de Palo Alto, California, durante la primera semana de abril de 1967. Jones, al no poder explicar a sus alumnos por qué los ciudadanos alemanes (especialmente los no judíos) permitieron que el Partido Nazi exterminara a millones de judíos y otros llamados “indeseables”, decidió mostrárselo. Jones escribe que comenzó con cosas simples, como la disciplina en el salón de clases, y que logró convertir a su clase de historia en un grupo con un gran sentido de propósito.

Jones llamó al movimiento “La Tercera Ola”, debido a la noción popular de que la tercera de una serie de olas en el mar es siempre la más fuerte, Al parecer, el experimento cobró vida propia, con alumnos de toda la escuela uniéndose a él.

A pesar de las implicaciones evidentes que este estudio ofrece sobre la maleabilidad mental del ser humano y de tener particular interés para los psicólogos que pudieran desear comprenderlo y prevenirlo, poco se ha hecho conocido sobre el asunto.

Todd Strasser, con el pseudónimo Morton Rhue, escribió una novela sobre el tema (titulada La Ola), que luego fue adaptada al cine (Dennis Gansel, 2008). El musical The Wave – The Musical, del año 2000, está basado en el experimento.

Jones escribe que empezó el primer día del experimento (lunes 3 de abril de 1967) con cosas simples, como sentarse apropiadamente, insistiendo hasta que los alumnos fueran capaces de entrar al aula y sentarse correctamente en menos de treinta segundos sin hacer ruido. Luego procedió a ejercer más estrictamente la disciplina, tomando un rol más autoritario, lo cual resultó en una drástica mejora del rendimiento de los alumnos.

Jones finalizó la primera lección con algunas reglas, aún pensando en que sería tan solo un experimento de un solo día. Los alumnos debían estar sentados y atentos hasta la segunda campana y tenían que levantarse para hacer preguntas, las cuales debían estar formuladas en tres palabras o menos, siempre empezando con las palabras “Sr. Jones”.

Para el segundo día había logrado hacer de su clase de historia, un grupo con un profundo sentido de disciplina y comunitario.4 Jones nombró al movimiento “La Tercera Ola”, Jones inventó un saludo similar al del nazismo, y ordenó a los alumnos a saludarse así, incluso fuera de clase. Todos los alumnos obedecieron la orden.

El experimento tomó vida propia, con alumnos de toda la escuela uniéndose a él: el tercer día la clase había pasado de 30 a 43 alumnos. Todos ellos mostraron mejoras académicas, y una gran motivación. Todos obtuvieron una tarjeta de miembros, y les fueron asignadas tareas (como diseñar un logo de La Tercera Ola, no permitir que entrase al aula ningún alumno no perteneciente al movimiento, etc). Jones les enseñó a sus alumnos cómo iniciar a nuevos miembros, y para el final del día, ya contaba más de 200 miembros. Jones se vio sorprendido de que alguno de los miembros le reportasen si alguno de los otros no cumplía las reglas del movimiento.

El jueves, cuarto día del experimento, Jones decidió terminar con el movimiento, pues este se estaba yendo de control, los alumnos se estaban involucrando demasiado, y su disciplina y lealtad para el movimiento era notable. Anunció a los alumnos que La Tercera Ola formaba parte de un movimiento a nivel nacional, y que al día siguiente, un candidato presidencial del movimiento anunciaría públicamente la existencia del mismo. Jones ordenó que asistieran al día siguiente a una reunión para presenciar el anuncio.

Pero no hubo anuncio alguno. Jones les dijo que habían sido parte de un experimento sobre el fascismo, y que todos voluntariamente se habían creado un sentido de superioridad, similar al de la población nazi. Luego pasó una película sobre el nazismo. Fue el fin del experimento.

Fuente: Wikipedia

http://thewave.tk/

http://es.scribd.com/doc/40283846/die-welle

Fantastic Mr. Fox Stop Motion

Stop Motion

El stop motion, parada de imagen, paso de manivela, foto a foto o cuadro por cuadro es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, ni en la animación por ordenador; esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.

Hay dos grandes grupos de animaciones stop motion: la animación con plastilina o cualquier otro material maleable, llamada en inglés claymation, y las animaciones utilizando objetos rígidos.

La animación con plastilina puede hacerse al “estilo libre”, cuando las figuras se van transformando en el progreso de la animación. Puede también orientarse a personajes, que mantienen una figura consistente en el transcurso de la película.

Métodos y variantes

El stop motion se utiliza para producir movimientos animados de cualquier objeto, incluyendo juguetes, bloques y muñecas. Esto se conoce como «objeto de animación».

Stop motion es también el medio para la producción de pixilación, la animación de la vida humana o animal. Ejemplos de ello son las películas de Mike Jittlov como asistente en The wizard of speed and time (1980), el largometraje del mismo nombre (1987-89), el corto francés de 1989 Gisele Kerozene por Eisa Cayo y Jan Kunen, y algunos trabajos del animador escocés Norman McLaren.

El go motion es una variante del “stop motion”, por el que aplicando un sistema de control a muñecos (animatronic) se les induce a realizar movimientos mientras se registra la animación fotograma a fotograma. Como resultado se produce un “efecto de blur” sobre las partes en movimiento que aumenta la sensación de realismo.

Una variación del stop motion es la animación gráfica de fotografías (en su totalidad o en partes). Algunos ejemplos son Frank Film y Braverman’s Condensed Cream of Beatles (1972).

En el cine: de los orígenes hasta hoy

Los orígenes de esta técnica se funden con la propia historia de la cinematografía. Entre sus pioneros se encuentra el cineasta ruso Ladislaw Starewicz, quien en el año 1912 realizó una de las primeras películas en stop motion utilizando como modelos insectos reales. Con el título de “La venganza del camarógrafo”, Starewicz narra la historia de una familia de escarabajos que se destruye a causa de la infidelidad entre sus cónyuges. España cuenta con los trabajos de Segundo de Chomón quien en 1908 realizó en París El hotel eléctrico. Otro destacado pionero en esta técnica fue Willis O’Brien, quien animó King Kong en 1933. Su alumno Ray Harryhausen hizo un gran número de películas con la misma técnica.

El stop motion fue una técnica muy utilizada en la Europa del Este: Jirí Trnka, Hermina Tyrlová, Jan Svankmajer, nombramos éstos, entre muchos otros grandes creadores.

En los ochenta, la técnica fue usada por Tim Burton, que creció viendo las películas con los efectos especiales de Ray Harryhausen. Burton utilizó dicha técnica en sus cortos para Disney, de los cuales Vincent es el primero y en 2005 Corpse Bride (en español, La Novia Cadáver) Vale destacar que también a principios de los noventa Tim Burton participó como productor de The Nightmare Before Christmas, película basada en sus creaciones artísticas, del director Henry Selick, quien a su vez dirigió Coraline, bajo la misma técnica en 2009.

El stop motion ha sido usado en los trabajos de Aardman Animations, incluyendo Wallace and Gromit, su secuela y Chicken Run. Pascual Pérez, Sam Ortí, Yago Álvarez, son algunos de los animadores que han trabajado en producciones de Aardman Animations.

Videoclips, series y publicidad

Aardman también produjo anuncios publicitarios y vídeos musicales, particularmente el vídeo para Peter Gabriel Sledgehammer, en el que usa una variante del stop motion llamada Pixilación. Esta técnica consiste en tomar imágenes de una persona manteniendo una postura fija para cada fotograma, convirtiéndose en una marioneta humana. Recientemente Aardman ha usado esta técnica en una serie de cortometrajes para la cadena de televisión BBC titulados Angry Kid. Están protagonizados por un actor real que lleva una máscara. La postura del actor y la expresión de la máscara fueron ligeramente alteradas en cada fotograma.

El video musical de la canción “Us” de Regina Spektor está realizado, en ciertos fragmentos, de esta manera.

Otros

Otra variante del stop motion es el go motion, usado en algunas escenas de la película Dragonslayer (El dragón del lago de fuego), que se basa en mover el modelo ligeramente durante cada exposición para producir un efecto más realista con un movimiento desenfocado.

Otro ejemplo de vídeo musical a partir de técnicas de stop motion es el creado por Oren Lavie para su canción Her Morning Elegance.

Con la técnica de stop motion también está animado Domo-kun, la mascota de la cadena de televisión NHK de Japón.

Fantastic Mr. Fox

Este film, el último de Wes Anderson previo a los preparativos para comenzar la filmación de “My Best Friend”, me sorprendió muy gratamente teniendo en cuenta que no esperaba encontrarme con una película de Anderson realizada completamente en stop-motion. Y como era de esperarse, ya que si hay algo que le sobra a este director es sensibilidad, los personajes de Fantastic Mr. Fox, a pesar de no ser de carne y hueso, inevitablemente caen muy bien y traspasan la barrera de los dibujos o los films animados occidentales que muy difícilmente cautivan o conmueven al público adulto. Eso, sumado a la calidez y dulzura que caracteriza a los héroes y anti-héroes con los que sueña Anderson y que luego elige interpretar, como en todos sus anteriores largometrajes, con actores que ante él se entregan a filmar con el ansia lúdica de un niño logrando resultados excepcionales.

Mr. Fox, el personaje principal de esta película, es un simpático y perspicaz zorro que prometió dejar atrás su vida como ladrón de aves para buscar un trabajo tranquilo, al enterarse que iba a ser padre. Fox cuando recibe la noticia decide mudarse con su familia a una nueva casa, pero en ella se ve tentado por sus vecinos granjeros a revivir sus días como animal salvaje. Es así como con la ayuda de Badger, otro personaje muy gracioso y querible, comienza como en los viejos tiempos a robar aves y mercadería de los granjeros vecinos hasta que despierta la ira de los tres hombres que dirigen las granjas y estos deciden atraparlo, cueste lo cueste.

Puede ser que quienes hayan visto los anteriores films de Anderson tengan la sensación de que a Mr. Fox le falta algo, pero yo recomiendo relajar la mente y predisponerse a ver una película liviana (y no por eso poco copada) y que se dispongan a disfrutar más que de la historia en sí, del gran trabajo artístico que hay detrás de cada escena del film.

Tal vez Fantastic Mr. Fox apunte a un público más general que las anteriores películas de Wes, mantiene un ritmo bastante plano pero intencionado, sin grandes sobresaltos dramáticos y sin situaciones hilarantes pero siempre ocurrentes. El film no deja enseñanzas fuertes ni tampoco persigue ese objetivo. Es una película para entretenerse, que se complementa con un buen guión y con un trabajo visual excelente que expresa continuamente la ardua labor de hacer con el stop-motion, una obra de arte estupenda, que aparentemente ha pasado bastante desapercibida en el mercado mundial cinematográfico.

Como dato común a todos los films de Anderson, podemos destacar que usualmente trabaja sobre los mismos temas pero desde ópticas diversas. Círculos familiares quebrantados, amores que duelen hasta lo más profundo, seres dañados que intentan subsanar errores del pasado, o adultos sensibles que buscan la aprobación de una figura paterna. En mi opinión, Wes es realmente grandioso, pero grandioso de una forma que no se llega a alcanzar ser ni con el mejor asesor de imagen, ni con las mil búsquedas de directrices prefabricadas y pretenciosas. Es grandioso porque le gustan las cosas adecuadas, y porque es “aplaudido por la gente adecuada” como diría Tibor Fischer. Es grandioso como lo era Chet Baker, o como lo fue John Coltrane, o, hablando de cine, como lo fue Wells, salvando las distancias. Grandioso casi sin querer, casi sin darse cuenta, porque parece entregarse a filmar siempre en grande. Wes Anderson parece un tipo agradable, detallista, dulce, que conoce mucho de música (más puntualmente, de discos realmente gloriosos) y que logra con sus películas resultados fantásticos, y me refiero a todas ellas: Rushmore, The Royal Tenenbaums, The Life Aquatic, The Darjeeling Limited, y ahora, Fantastic Mr. Fox.

El elenco de actores que ha participado del film para realizar las voces de cada uno de los personajes es fantástico, y es especialmente recomendable ver la película en su versión original para disfrutar de las voces de George Clooney, Meryl Streep, Bill Murray, Owen Wilson, Jason Schwartzman y especialmente de Willem Dafoe en el personaje de “Rata”.

Fuente:  Wikipedia | http://deep-in-velvet.blogspot.com/2010/07/fantastic-mr-fox.html

Parasite Eve

La Novela


Suzuki Hideaki (Hideaki Sena) 1968. Farmacólogo y novelista. Hideaki era aún estudiante en la Universidad de Tohoku cuando escribió su premiada primera novela, Parasite Eve. También es el autor de Brain Valley, por la que ganó el Premio Nihon SF Taisho , y Tomorrow’s Robots. El Dr. Sena vive actualmente en Sendai, Japón, donde imparte conferencias sobre la microbiología y la ciencia ficción.

Página web: http://www.senahideaki.com/

Parasaito Ivu fué publicada en 1995 y ese mismo año recibiría el Premio de Novela de Horror. Es importante anotar que colaboró al resurgimiento de la literatura de terror japonesa (aunque en realidad PE se engloba dentro del genero de la ciencia ficción) con otras obras coetáneas como Ring de Suzuki Kouji o Igyou Collection por Inoue Masahiko.
No será hasta el invierno del 2005 que la obra primeriza de Hideaki Sena vea una traducción al inglés en el mercado estadounidense por Grillo Tyran. La calidad de la traducción de la novela científica se considera bastante bien tratada, aún así ha habido múltiples denuncias acerca de la cantidad de errores y uso indebido de las palabras en la primera edición del libro.

La Película

Parasaito Ivu (1997)

Director: Masayuki Ochiai ▬ Guión: Ryôichi Kimizuka ▬ Género: Ciencia Ficción
El film no buscaba otra cosa más que aprovechar el tirón del libro, y para ello se contrató a un director novel, Masayuki Ochiai. Poco se puede destacar de una película bastante limitada en todos los aspectos y que reflejaba escena por escena los párrafos del libro, en un guión que va perdiendo fuelle a medida que transcurren los minutos.

Argumento:
En un laboratorio, el Doctor Toshiaki junto con su ayudante Sachiko Asakura están investigando las mitocóndrias, experimentando con animales para obtener resultados que apoyen sus teorías. Pero en el día del aniversario del Dr. Toshiaki con su novia Kiyomi. Ésta tiene un accidente de tráfico que la deja en un coma irreversible, su cerebro está muerto. El Dr. Toshiaki descubre que gracias a las mitocóndrias es posible recuperar un cuerpo gracias a las mitocóndrias, asi que establece un pacto con un médico, el cual dicta que donará los órganos de Kiyomi si a cambio le dan el bazo. El médico acepta ya que necesita el corazón de Kiyomi para trasplantárselo a una antigua paciente suya a la que la anterior operación la había dejado casi peor de lo que estaba. Desesperado el médico acepta ya que necesita una segunda oportunidad para salvar la vida de su paciente y acepta el trato de Toshiaki.
Crítica
Basada en la novela homónima de Sena Hideaki, Parasite Eve se ha convertido en algo más un mero título, el libro, la película y la saga de dos partes que Square Soft ha realizado para la consola PlayStation de Sony, dan a Parasite Eve un concepto de importancia solo comparable a los Kaiju Eiga más famosos.

Esta película apareció un año antes del ya vendido juego y como nota curiosa, el autor de la novela Sena Hideaki sale en algún momento de la película, pero eso es algo que nos tenemos que creer, al menos que alguien sepa como es dicho autor, porque lo que es yo…. ni idea.

La trama es interesante y los fx, aunque no sean espectaculares son curios, incluso se podría decir que la película tiene estilo de videojuego, incluso me pareció ver fondos que eran parecidísimos.
Lo malo que al final de la película se vuelve un poco royera y lo que prometía en un principio sabe a poco, pero esta bien, es interesante de ver.

Recomendable para los que le gustaron la novela, para los que le gusta el cine oriental o la saga de videojuegos, ya que cuenta lo sucedido antes del primer videojuego.

En la película sale mucho la palabra Mitocondria, y para que no os comáis la cabeza ni tengáis que coger diccionarios, os explicare lo que es;
. Pues es ni más ni menos que un organismo unicelular, descubierto en 1913, en cuyo interior se realizan todas las reacciones químicas que liberan la energía que cada célula necesita para su funcionamiento. Las más conocidas son las enzimas de Warburg, que son la principal fuente de energía del organismo.

Toshiaki empieza sus investigaciones en su laboratorio mientras que su paciente recibe el corazón de Kiyomi.

Las cosas no van a resultar tan bonitas como ambos doctores se pensaban, el resultado de ambas operaciones puede tener graves consecuencias para la humanidad si no se detiene a tiempo.

Direccion
Masayuki Ochiai

Reparto
Hiroshi Mikami … Toshiaki Nagashima
Riona Haduki … Kiyomi Nagashima
Tomoko Nakajima … Sawako Asakura
Tetsuya Bessho … Takatsugu Yoshizumi
Ayako Omura … Mariko Anzai
Kenzo Kawarasaki … Padre de Kiyomi

Manga


Fué lanzado un manga dividido en 2 partes titulado Parasite Eve Diva: N.Y. Shi no Utahime (Parasite Eve N.Y. ). El creador es Fujiki Noriko y la editorial encargada Kadokawa Shoten.

Historia

Su existencia fue detectada por primera vez en el invierno del año 2010.
La policía de Nueva York se ve inundada por continuas llamadas en respuesta a un brote de ataques que aterrorizan la isla de Manhattan por unas criaturas que los testigos han llamado Twisted, los “torcidos”. Una forma desconocida de vida que parece venir de una distorsión alejada del tiempo y el espacio. El Gobierno de los Estados Unidos reacciona y toma medidas de contención organizando una división secreta llamada “CTI”, “Counter Twisted Investigation”.
A la vez que la Casa Blanca declara el estado de emergencia nacional surge una última esperanza, el Sistema Overdive. Su propósito: salvar el mundo cambiando el pasado. Sólo la CTI está autorizada a emplearlo y sólo una persona es apta para el procedimiento, una mujer que ha perdido la memoria y responde al nombre de Aya Brea.
La trama de The 3er Birthday transcurre varios años después de Parasite Eve 2 y tiempo después de los primeros ataques de los Twisted, concretamente en el 2012. El envejecimiento celular de Aya se ha detenido gracias a la mitocondria, por lo que a pesar de alcanzar los 40 años tiene el aspecto de una chica de 20. Esta vez tendrá que aceptar su don e intentar dominar sus poderes en lo que va a ser un tercer nacimiento.

Personajes

AYA BREA (ver retrospectiva).

HYDE BORH, jefe de la División de Investigaciones Overdive del CTI. Es un profesional en lo que se refiere a la parte tecnológica de la investigación y es quien da una orientación clara a los que envía al campo de batalla. Sus aliados confían en él, aunque se le malinterpreta fácilmente debido a su fría actitud y su insistencia en la perfección.

THELONIOUS CRAY, un ex-agente del ejército de fuerzas especiales y ahora un investigador cualificado que opera en la División de Investigación Overdive del CTI. Cuando se formó el CTI fue requerido por su conocimiento de la estrategia en combate. Se encarga del entrenamiento de Aya y al parecer también nos enseñará a controlar el juego en un primer momento.

KARUD “BOSS” OWEN, jefe de la organización, por ello es conocido bajo el alias de “Boss”. Debido a la aparición de los Twisted fué enviado desde el FBI, que iba a dirigir, y situado temporalmente al frente del CTI.

DR. BLANK, investigador en la división Overdive y jefe de los sistemas informáticos para el CTI en su conjunto. Su verdadera naturaleza está rodeada de misterio. Trabaja bajo un seudónimo.

EVE BREA es la hermana menor de Aya, la cual, estaba supuestamente desaparecida. Se desconoce si está involucarada en el suceso de los Twisted. (En Retrospectiva hay una reseña a este personaje que incluye sus origenes).

GABRIELLE MONSIGNY, agente CTI y ex-miembro de los SWAT. Es una francotiradora especialmente hábil y entrenará a Aya en ese ámbito.

KYLE MADIGAN, agente del gobierno que apareció con anterioridad (Parasite Eve 2) desempeñando la labor de guardaespaldas de Aya y Eve. Al igual que esta última, en la actualidad se desconoce su paradero. Algún detalle más de este personaje puede ser conocido en la sección retrospectiva.
En esta entrega, como es de suponer, Aya no lo reconoce.

KUNIHIKO MAEDA, cientifico japonés que se mostró muy interesado en el estudio de las mitocondrias y en la Eva original (Parasite Eve 1). Contaba con 35 años cuando se encuentra por primera vez con Aya. Colaboraron en el primer incidente de Nueva York y, de hecho, la aportación de Maeda sería decisiva para el desenlace de aquella historia. Sentía algo por Aya pero su carácter tímido y solitario hizo que no dijera nada. Ducho en muchas materias, también muestra ser algo supersticioso.
En 3rd Birthday Maeda volverá a Nueva York siguiendo el brote de Twisted. Tiene un refugio especial que ha convertido en un viejo almacén.

http://www.primaleyes.com/pemanga-diva.html

Videojuegos

Parasite Eve. (El primer videojuego)

Square no pasó por alto el éxito mediático del libro y eligió a Toshiaka para convertir el guión en un RPG con tintes cinematográficos. La compañía tampoco dejó escapar la oportunidad de crear su primer título con personajes con forma adulta en PlayStation, labor en la que empleó el mismo motor gráfico de FFVII en una versión algo inferior a la de la séptima fantasía final. El resultado merecía bautizar un nuevo género, y así fue. Con Parasite Eve nacería el primer cinematic-RPG, una mezcla entre aventura, Rol, terror y acción. En 1998 se encontró entre los 7 títulos más vendidos de Japón y ya en el 2000 obtuvo el puesto 16 por los lectores de la revista Famitsu en su top 100 de los mejores juegos de PSOne, le seguiría unos puestos más abajo su continuación, que para muchos no estuvo a la altura del original.

Parasite Eve II La secuela.

Parasite Eve 2 llegó a Japón con un panorama inmejorable. Square se había sacado de la manga una historia que continuaba la trama de Aya Brea, pese a su supuesta muerte en la primera aventura. En el transcurso de casi dos años, un periodo de tiempo ridículo si lo comparamos al tiempo de producción de otras entregas de la compañía, Square cambió por completo la estructura del juego. Sustituyó los combates por turnos por combates en tiempo real, con una importancia mucho más acentuada de las armas y de la munición que empleemos en cada ocasión. Eliminaron el discurrir de los días por un sistema más ‘occidental’ en el que el plazo temporal no tiene tanta trascendencia y ampliaron la historia personal de Aya Brea, añadiendo la indispensable nueva plantilla de personajes secundarios que dan forma al argumento.

Fuente: honraelcredo.foroactivo.com | Ba-k.com

Cosplay

OST

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Gantz Live Action

Adaptacion live action del conocido manga de Hiroya Oku en una produccion bastante buena, lujosa y cara para lo que suele ser el cine japones, similar quiza en espectacularidad a la trilogia 20th Century Boys. Con un par de jovenes estrellas muy conocidas del panorama japones como son el miembro de la banda Arashi, Ninomiya Kazunari, y el protagonista de Death Note, Matsuyama Kenichi, interpretando a los dos protagonistas, Kei y Kato, amigos de toda la vida, y que en el comienzo mueren intentando salvar a una persona que ha caido en las vias del metro. Los dos aparecen de repente vivos en un misterioso apartamento de Tokyo junto a otras personas que tambien han padecido muertes igual de tragicas. En medio de una habitacion hay una enorme esfera negra que se llama a si misma Gantz y que propone al grupo la caza de aliens invasores para ganar puntos y canjearlos por premios de vida.

Anime: AppleSeed

El maestro de la ciencia ficción animada, Masamune Shirow, creador de obras maestras como Ghost in the Shell; nos transporta, con la película Appleseed, a un mundo situado en el fin de la tercera guerra mundial, con gran parte de la tierra destruida y unas pocas ciudades fuertemente custodiadas; donde la humanidad vive en conjunto con una raza de humanos artificiales llamados “Bioroids” (De “Biologic Androids”, Androides biológicos), así como muchas personas que, debido a la guerra, perdieron miembros o partes del cuerpo, ahora son cyborgs.

La historia se centra en Deunan Knute, una guerrera del ejercito con gran habilidad de combate, que ha pasado casi toda su vida peleando en la guerra, hasta que es “rescatada” (En la mitad de una batalla peleado por soldados que aun no saben que la guerra termino) por el ES.W.A.T (Extra Special Weapons And Tactics) de Olympus, una de las ultimas ciudades de la tierra, brillante y utópica.

Ahí conoce a Hitomi, un Bioroid que la acompaña por la ciudad y le explica que la mitad de su población esta compuesta por Bioroids. Al principio de su vida en la ciudad, Deunan es atacada por cyborgs ya que ella posee, sin saberlo, la Appleseed (Semilla de manzana).

También encuentra a Briareos, antiguo amor y compañero en armas de Deunan que en la guerra perdió gran parte de su cuerpo, el ahora es 75% cyborg gracias a la intervención de Hitomi y los “ancianos” de Olympus, convirtiéndolo en un soldado altamente calificado, miembro de. ES.W.A.T. Le asignan la misión de proteger a Deunan.

En la historia, las fuerzas de defensa están divididas en la policía ES.W.A.T., comandada por la presidenta de Olympus, Atena (Un bioroid); el ejercito, comandado por el General Uranus y el Coronel Hades y por ultimo, las fuerzas robóticas automáticas de defensa, consejo y “los que tienen la ultima palabra”, dirigida por “Los ancianos™” (Un montón de viejitos pequeñitos en sillas voladoras).

La historia tienen muchos de los componentes tradicionales de la ciencia ficción de Masamune Shirow; los cyborgs, los tanques con forma de araña, las armaduras de combate, los seres artificiales, el problema de la xenofobia y el rechazo de la humanidad por los “diferentes”, etc.

La animación es espectacular, una de las primeras películas de anime enteramente hechas usando la técnica de Cell-shading, así como un sonido 5.1 que, en la primera secuencia, hace sentir a cualquiera inmerso en la batalla de introducción.

El problema es que, por su formato de película, mucha de la historia básica se pierde un poco, ya que Appleseed, originalmente, eran un libro y un manga por el mismo Shirow; quedando al aire preguntas como el porque los bioroids no pueden tener hijos en un principio, que es exactamente el tipo de partícula que compone la semilla de manzana, quien gano la guerra, etc.

Una película altamente recomendable para todo tipo de público, con la que puedes enseñar anime a muchos “escépticos” del género y con el que puedes ambientarte de uno de los mejores escritores de ciencia ficción en este formato.

fuente: http://www.cristalab.com/anime/appleseed-c19005l/

Ver en linea:

Primer Versión: http://www.megavideo.com/?v=5KXL5KCH

Appleseed ExMachina: http://www.megavideo.com/?v=JWEH1PMG

Mas información: http://www.mcanime.net/descarga_directa/anime/appleseed_ex_machina/5104

http://www.taringa.net/posts/manga-anime/6174507/Appleseed-Ex-Machina-_DD_.html

WallPaper

The Joneses – Los Jone$

La película comienza con la llegada de una familia perfecta a una comunidad perfecta, con elegantes casas, patios bien cuidados y vecinos amistosos; claro que las cosas no son lo que aparentan. Como muchas otras películas, The Joneses pretende mostrarnos el lado oscuro de la vida en los idílicos suburbios norteamericanos, pero en vez de usar clichés de terror o suspenso, prefiere transmitir un mensaje mucho más simple y real: la infinita ambición de la mercadotecnia moderna no se detendrá ante nada para convertirnos en autómatas consumistas, guiados por el impulso y no por la razón. No es una película de terror, pero admito que me dio miedo…La perfecta familia está integrada por Steve Jones (David Duchovny), su amorosa esposa Kate (Demi Moore), y sus dos hijos adolescentes, Jenn (Amber Heard) y Mick (Ben Hollingsworth). Inmediatamente empiezan a hacer amigos en su nueva comunidad, y sus vecinos envidian el alto nivel del vida de los Jones, así como su cálida armonía. Pero detrás de su perfecta apariencia nos damos cuenta de que hay cosas muy extrañas en sus relaciones familiares, y quizás su presencia en no sea producto de la casualidad, sino de un audaz plan corporativo diseñado para promover el consumismo entre los habitantes del adinerado suburbio…

Muchas otras películaslibros y programas de televisión han censurado el ciego consumismo que infecta a la humanidad; The Joneses llega tarde a la fiesta, y además no llega tan lejos como debería para causar un impacto genuino en el espectador. Sin embargo su mensaje sigue siendo válido, y lo mejor de todo es que lo envuelve en una buena historia fundamentada en la humanidad de sus personajes. A fin de cuentas me interesó más la relación entre Steve y Kate, que la conspiración detrás de su “matrimonio”, y creo que eso basta para rescatar la película de la mediocridad. No obstante, desde otro punto de vista podría decirse que el énfasis en las relaciones resta fuerza a la sátira, y por ello la cinta se desinfla al final, cuando no hay adecuada conexión entre sus contradictorios aspectos.

De cualquier modo me gustó el eficiente ensamble de actores, empezando por David DuchovnyDemi Moore. Creo que Duchovny ya superó el estigma del Agente Mulder gracias a su trabajo en modestas cintas independientes y en audaces series “alternativas”, como Californication; de hecho, en The Joneses emplea ese mismo carisma casual que lo hace al mismo tiempo sofisticado y accesible. Honestamente dudo que sea un buen actor en el sentido convencional; pero encontró un nuevo nicho que funciona para él, y me da gusto que esta película lo sepa explotar. Por su parte, Demi Moore nos recuerda que no solo es una “celebridad”, sino una sólida actriz cuando encuentra el papel adecuado. Su participación en The Joneses es curiosamente sutil y controlada, pues así es como mejor se expresa el conflicto interno que sostiene durante la película entera, tratando de conciliar sus sentimientos reales con la misión que debe cumplir. Además, cosa rara, su asombroso rostro y cuerpo son parte integral del personaje y no solo indulgentes muestras de vanidad. También merecen mención Gary Cole y Glenne Headly como los mejores amigos de los Jones; en ocasiones parecen patético “comic relief”, pero su sinceridad de algún modo preserva el realismo de una pareja que ha reemplazado sus emociones por regalos y objetos costosos.

Con un poco más de convicción en su propósito o con un libreto más inteligente The Joneses podría haber sido una brutal (y muy agradecida) sátira sobre la obsesión consumista que amenaza con salir de control (si es que no ocurrió ya). Pero su flojo final sentimental y falta de enfoque (por no mencionar su horrenda banda sonora) la dejan a la deriva, con el buen trabajo de sus actores como única esperanza de salvación.The Joneses tiene suficientes puntos buenos para darle una modesta recomendación, y en verdad me hubiera gustado que llegara al nivel de sátiras tan acertadas como Wag the DogIn the LoopState and Main; lamentablemente no pasa de ser un ameno pasatiempo que tal vez nos ponga a pensar durante noventa minutos para luego olvidarse de inmediato.

fuente: http://imagenennegativo.blogspot.com/2010/08/joneses.html

ver la pelicula on-line: http://peliculasid.com/peliculas/the-joneses.html

The Movie: Ghost in the Shell: La Película


Ghost in the Shell (攻殻機動隊, Kōkaku Kidōtai?) es un manga de ciencia ficción creado por Masamune Shirow.

La historia ha progresado con dos mangas más (Ghost in the Shell 2: Man/Machine Interface y Ghost in the Shell 1.5: Human-Error Processor), además de dos películas animadas (Ghost in the Shell y Ghost in the Shell 2: Innocence), una serie de televisión con dos temporadas (Ghost in the Shell: Stand Alone Complex y Ghost in the Shell: S.A.C. 2nd GIG), un OVA (Ghost in the Shell: S.A.C. Solid State Society) y tres videojuegos. Cada obra tiene una línea argumental libre.

Sinopsis

Ambientada en el siglo XXI, Ghost in the Shell, GitS para abreviar, se presenta en una primera lectura como un thriller futurista de espionaje, al narrar las misiones de Motoko Kusanagi, la Mayor a cargo de las operaciones encubiertas de la “Sección Policial de Seguridad pública 9” o simplemente “Sección 9”, especializada en crímenes tecnológicos. La misma Kusanagi es un cyborg, un cerebro humano en un cuerpo artificial, lo que le permite ser capaz de realizar hazañas sobrehumanas especialmente requeridas por su labor.

Ambientación

La ambientación de Ghost in the Shell es innegablemente cyberpunk y nos recuerda a la famosa Trilogía del Sprawl de William Gibson. Sin embargo, a diferencia de Gibson, Shirow se interesa más en las consecuencias éticas y filosóficas de la popularización de la unión entre hombre y máquina, el desarrollo de la inteligencia artificial y una red de computadoras omnipresente, temas enfocados en especial a la identidad del ser humano y lo particular de su existencia. El manga trata más extensamente estos temas, pues Kusanagi y sus colegas se enfrentan tanto a peligros y acertijos externos como a conflictos internos acerca de su propia naturaleza, debido a que son más máquinas que seres humanos.

El tema principal del manga (y la única historia presente en la película) es la persecución de un criminal de los medios electrónicos, conocido como el Puppet Master (el Maestro de Marionetas, en la traducción española), y cuya identidad se desconoce. El “Puppet Master” ha cometido varios crímenes con un único modus operandi: el “ghost hacking”, que consiste en irrumpir y tomar control de la mente de un ser humano. Al desvelar el misterio del “Puppet Master“, los agentes de la Sección 9 comprenden que no se trata de un criminal común y corriente, sino de un proyecto de inteligencia artificial autónoma que pertenece al gobierno, el mismo gobierno al que la Sección 9 presta servicios, y se ha fugado a la espera de un cuerpo de verdad y una identidad humana. Si bien en principio Kusanagi se muestra escéptica, finalmente cede para que el “Puppet Master” se una a su conciencia y comparta su cuerpo, lo que hace con la intención de sacar a relucir aún más dudas acerca de la naturaleza de la identidad humana, en un mundo donde la conciencia humana ya no es algo tan particular.

El manga es conocido por la gran cantidad de notas al pie de página y comentarios del propio Shirow, tanto del contexto socio-tecnológico como político de la obra.

Ver online:

http://www.atp.com.ar/post/Comics_%2F_Anime/172251/Ghost_in_the_Shell_720p_Audio_Latino_HBO.html

http://www.divxonline.info/pelicula-divx/1606/Ghost-in-the-shell-1995/

Ghost in the Shell (GHOST IN THE SHELL/攻殻機動隊, Gōsuto In Za Sheru/Kōkaku Kidōtai, lit. Ghost in the Shell/Mobile Armoured Riot Police) is a 1995 anime film directed by Mamoru Oshii; an adaptation of the manga Ghost in the Shell by Masamune Shirow, produced by Production I.G, and written by Kazunori Itō. A sequel, Innocence, was released in 2004.

In 2029, the world is connected by a global electronic network. Tokyo has a network security force called Section 9, which is on a mission to arrest the elite hacker known as the Puppet Master. Major Motoko Kusanagi, a cyborg officer, leads the investigation and finds that the Puppet Master hacks human minds and leaves victims with implanted fake memories. Kusanagi questions her own existence as an artificial construct, wondering if there is something more. As the investigation goes on, she learns that the Puppet Master may have answers for her and is looking for her.

Adaptation

The film adaptation presents the story’s themes in a more serious, atmospheric and slow-paced manner than the manga. In addition, in order to condense the manga into 82 minutes of screen time, the movie excludes the subplots in order to focus exclusively on the “Puppet Master” plot.

The opening lines of voice-over in the 1995 anime Ghost in the Shell establish the setting as New Port City. In this film, the city’s visual style is modeled upon Hong Kong. Characters seen on signs are in Chinese, rather than Japanese. The writing depicted on the scenery is Chinese Hànzì characters, which are also used in written Japanese (kanji), but omits hiragana and katakana which are both exclusively used in written Japanese.

North America

The movie was applauded as one of the first anime films to seamlessly blend computer and cell animation (after Macross Plus Movie Edition). It was one of the first anime features to cross over to non-anime fans in North America.

Ghost in the Shell made an impression on a number of filmmakers. Larry and Andy Wachowski, the creators of The Matrix and its sequels, showed it to producer Joel Silver, saying “we wanna do that for real.” Director James Cameron has called it “the first truly adult animation film to reach a level of literary and visual excellence.”

The film gained a little notoriety after The Tonight Show host Conan O’Brien and sidekick Andy Richter visited Bang Zoom, a dubbing studio in Burbank, CA. The scene they have dubbed was the pre-shootout sequence, which O’Brien and Richter are ad-libbing nonsense about fishes and breasts, as they were depicted on the scene. However, the nudity and gore have been censored due to being shown to a network audience.

Ghost in the Shell 2.0 (GHOST IN THE SHELL/攻殻機動隊 2.0, Gōsuto In Za Sheru/Kōkaku Kidōtai 2.0?) is a reproduced version of its original 1995 counterpart. It was produced in celebration for the release of The Sky Crawlers in 2008.[4][5] For the films Version 2.0 release, all the original animations were re-produced with latest digital film and animation technologies, such as 3D-CGI. The original soundtrack was also re-organized and re-recorded.

Japanese music composer Kenji Kawai, who orchestrated the score for the original 1995 production, remixed the Version 2.0 soundtrack in 6.1 Channel Surround. Academy Award Winner Randy Thom of Skywalker Sound reprised his role as Sound Designer, after previously working on Ghost in the Shell 2: Innocence, and whose credits also include work on Final Fantasy: The Spirits Within.[4]

To complement the new soundtrack, Japanese voice dialogue was also re-recorded, with some variation from the original script to make use of more recent colloquial phrases in modern speech. Notably, the original male voice actor for the character of the “Puppet Master”, Iemasa Kayumi, has been replaced by the female voice actor Yoshiko Sakakibara (Ghost in the Shell 2: Innocence ‘s Harraway, Ghost in the Shell: Stand Alone Complex ‘s Prime Minister Yoko Kayabuki).

The North American release for the film was scheduled to be distributed by Warner Bros. Home Entertainment on the DVD and Blu-ray format. The Special Edition release was scheduled to include the original 1995 release alongside the Version 2.0 on a Double Layer Blu-ray, and complimented with the inclusion of a soundtrack CD and booklet with commentary detailing the Version 2.0 production. This has since changed and Manga Entertainment will actually be releasing the film on Blu-ray. Early copies leaked to Best Buy shelves before the November 24th, 2009 street date. The original version of the movie is included on the disc as an upscaled version of Manga’s previous DVD release. The original English dub was used for the new 2.0 version with the new sound effects.

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Gattaca, experimento genetico

En un futuro no muy lejano la manipulación genética es un hecho, las personas ya no son discriminadas por su sexo, raza o religión sino por sus genes. Vincent, un nacido natural (sin que los padres hayan elegido sus mejores genes) procurará todo lo posible para lograr su sueño: ser astronauta… El espíritu humano no está en los genes.

Gattaca es una película pequeña, sin efectos especiales, pero con un guión muy inteligente que obliga al espectador a reflexionar acerca de muchos temas presentes desde un argumento ambientado en el futuro: ¿la manipulación genética es la solución a todos los problemas? ¿Esta manipulación conllevará un nuevo tipo de discriminación? ¿La voluntad humana, el espÌritu de superación, los sueños… están en los genes? ¿La perfección puede ser una trampa?

Todas estas cuestiones se plantean en la película, que podría parecer intelectual y pretenciosa pero que no lo es en absoluto, ya que la trama se inscribe dentro de un thriller en torno a un asesinato, y el espectador se ve inmerso en el esfuerzo de Vincent (interpretado por un excelente Ethan Hawke, al que se recordará de películas como El club de los poetas muertos o ¡Viven!), un no válido que se hace pasar por un válido mientras esquiva la investigación del crimen que amenaza con descubrirle y que terminará por desvelar más de una sorpresa, sin olvidar la historia de amor del protagonista con la siempre espléndida Uma Thurman, todo ello envuelto en una banda sonora llena de sugerencias de Michael Nyman (el autor de El Piano). Cabe destacar la magistral labor interpretativa de Jude Law (nominado en los Oscar 1999 a mejor actor secundario por El talento de Mr. Ripley).

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The Reader

Protagonizada por: Kate Winslet, Ralph Fiennes, David Kross, Lena Olin, Bruno Ganz
Dirigida por: Stephen Daldry
Escrita por: David Hare (guión); Bernhard Schlink (novela)
Links: http://www.thereader-movie.com/

comienza con la historia de un chico alemán de 15 años, Michael (David Kross), quien conoce casualmente a una mujer mayor, Hanna (Kate Winslet). Pronto, los dos se involucran en una breve pero apasionada aventura que termina abruptamente cuando Hanna abandona la ciudad sin dejar huella. Seis años después, Michael se reencuentra con Hanna, esta vez siendo un estudiante de derecho que presencia un juicio contra seis mujeres acusadas de atroces crímenes de guerra. Cuando Michael descubre que Hanna es una de las mujeres, se cuestiona todo lo que sabe del amor, la ley y la redención.

Basada en la novela superventas, The Reader es una de las primeras historias que habla del Holocausto desde el punto de vista de la segunda generación: los hijos e hijas de los alemanes involucrados en él. Es un tema complejo, principalmente porque una de sus protagonistas no es víctima del Holocausto, sino perpetradora. Aún así, aparece reflejada bajo una luz muy humana: es comprensiva a pesar de que sus acciones pasadas son despreciables. The Reader plantea las incómodas preguntas de quién es culpable en tiempos de guerra y a quién podemos amar a pesar de su deplorable pasado.

La película viene de la mano del guionista y director de The Hours y es una adaptación literaria igualmente compleja. A pesar de su duro contenido, está bien hecha, principalmente gracias a su excelente reparto. Kate Winslet está, como siempre, sublime infundiendo vida y empatía a un personaje que sería fácil de odiar de otro modo. David Kross, que interpreta a Michael de joven, muestra una sensibilidad que va más allá de sus años (tenía 15 cuando fue elegido para la película, y en la escena con más edad tiene 18 años) y encuentra la forma de hacer que sus escenas más íntimas con Winslet transciendan la incómoda diferencia de edad.

En resumen, es una película que hace pensar y que refleja las cualidades humanas que describe; no es perfecta, pero se esfuerza al máximo y consigue una representación sensible del amor en los tiempos más difíciles.

http://movies.mtv.es/movies/intheatre/review.jhtml?articleId=115159032

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MatErix o el materialismo de la neoespiritualidad

Zambullirse en la filosofía de “The Matrix” llevó a que algunos se perdieran buscando simbolismos allí donde había mensajes obvios y distrajo a otros, que pretendieron descubrir revelaciones religiosas donde sólo había una filosofía materialista. Porque -si bien es indiscutible que el film recupera conceptos del cristianismo, el budismo, el hinduismo y otros sistemas de pensamiento, “The Matrix”, escencialmente, rebaja las creencias religiosas a un plano material. ¿A qué Dios sirve, después de todo, “El Elegido”? ¿Está Neo predestinado a cumplir una misión de algún modo comparable con una epopeya religiosa? “Pensando en todos los que piensan” en la película, el autor se hizo varias preguntas en voz baja que ahora, en voz alta, se anima a responder.

La tesis de este trabajo es que, si bien Matrix recoge y utiliza conceptos claves del cristianismo (así como del budismo, hinduismo y otras filosofías y sistemas de pensamiento), los incorpora en su historia dándoles un significado diferente del original. De tal manera que la Matrix no puede ser el mundo moderno, Neo no puede ser el Mesías y Zion no puede ser la Ciudad Elegida. Más bien, cabría decir que el mundo es la Matrix, el Mesías es Neo y la Ciudad Elegida es Zion. ¿Parece lo mismo? Nada de eso: Una cosa es decir que Neo simboliza al Mesías, y otra muy diferente es decir que el Mesías simboliza a Neo…

Es decir, se utilizan los mismos símbolos, pero con cargas significativas diferentes, invirtiendo el orden de causalidad: donde las religiones ven un mundo ilusorio por su relatividad, los creadores de Matrix ven un programa de realidad virtual, el cual concuerda con –y bien podría explicar a– ese mundo ilusorio que veían budistas e hindúes. Del mismo modo, todas las explicaciones “simbólicas” de Matrix están rebajadas a un plano material, cuando originalmente están diseñadas para explicar al mundo material. Lo que han hecho los hermanos Larry y Andy Wachowski es imaginar un mundo por debajo de lo material (aunque, de hecho, aún tiene sustrato material), y postular una explicación material, sirviéndose de las filosofías orientales (y cristianas), las cuales fueron creadas para postular una explicación supramaterial del mundo material.

En ese caso, se puede decir que, a lo sumo, existe una cierta correlación entre la explicación que se da en Matrix sobre el mundo virtual y la explicación que dan las filosofías orientales sobre el mundo (material), pero no sería acertado decir que la explicación es la misma, y que Neo simboliza al Mesías, etc., porque -en el traspaso- ha ocurrido un cambio fundamental: se ha pasado de una explicación no materialista a una explicación materialista, que es todo lo que se puede cambiar en una explicación para que deje de ser metafísica, entendida la palabra en sentido amplio.

Los diversos episodios ‘místicos’ en Matrix no hacen más que reforzar el ideal de perfección como algo individualista y materialista, característico del mundo moderno y muy lejos de una perspectiva religiosa. Podemos afirmar, incluso, que la perspectiva que presenta Matrix, pese a mostrarse de un modo muy diferente, no deja de ser afín a la New Age (1): ambos pretenden revelar una “nueva” religiosidad, cuya finalidad última es exactamente la misma que la del mundo moderno que pretenden rechazar: la libertad absoluta del individuo y su plena realización en el plano material.

Automáticamente la pregunta que surge, entonces, es: ¿y cuál es el origen de los seres humanos reales, aquellos que no viven en la Matrix (o mejor dicho, cuyo verdadero ser no vive en la Matrix)? Matrix no pretende dar respuesta a este interrogante. Su postulado, entonces, sobre la irrealidad del mundo se asemeja mucho a las teorías de Erich Vön Däniken y personajes afines, que se sienten satisfechos descubriendo extraterrestres donde otras personas han encontrado dioses. Una explicación tal -en caso de comprobarse su veracidad– no sería realmente explicativa, no erradicaría la pregunta fundamental a la cual “los dioses” son la respuesta: ¿cuál es el origen del universo, la finalidad del hombre, qué es la realidad?

Porque, en suma, Matrix no hace más que plantearse estas preguntas, tan viejas como la propia humanidad. Responde con un atractivo maquillaje, como los efectos especiales y los nombres misteriosos de sus personajes, pero la respuesta que ofrece no es, a fin de cuentas, ni tan atractiva, ni tan novedosa.

ANTECEDENTES Y SÍNTESIS ARGUMENTAL
En muchos sentidos, Matrix (y sus secuelas) es un hito en la historia del cine. No sólo por sus récords de taquilla; las plusmarcas llegan y luego son reemplazadas por otras (2). Matrix ha revolucionado la imagen y las técnicas del cine, gracias a sus avanzados efectos especiales: la cámara congelada que gira 360° (el “tiempo bala”) -para no mencionar las escenas de artes marciales(3)– ya es una marca registrada de esta saga.

Pero existe otro aspecto en el que Matrix se ha convertido en un objeto de culto (culto que es compartido devotamente por millones, no por un selecto grupo): se trata del “mensaje” que transmite, esparcido explícita y obviamente en muchos casos, pero también en detalles mínimos, “claves” que los fanáticos de estas películas se deleitan en encontrar y analizar.

De esta manera, Matrix ha marcado otro hito en la historia del cine: es una de esas pocas películas (o serie de películas) que han generado una “subcultura” en el universo urbano. Los casos más recientes y notables son las sagas de La Guerra de las Galaxias y El Señor de los Anillos (4), a las cuales se puede agregar Harry Potter.

Para muchos grupos estas películas se han convertido en modelos a imitar, y la ideología subyacente en cada film se convierte en normas a seguir o, al menos, en pautas que marcan conductas o, inclusive, virtudes.

En todos estos films se han construido universos ficticios, con sus historias, dinastías, genealogías y eventos particulares, que van más allá de las dos horas que suele durar cada película (5): el mundo de lo denotado en breves segmentos de minutos, o incluso segundos de duración, es amplificado en documentales de TV, programaciones extra de DVD y libros accesorios, que permiten al espectador adentrarse más en el complejo entramado de esos universos de fantasía.

El caso arquetípico es La Guerra de las Galaxias, cuya “historia no contada” permitió la realización de las tres “precuelas” y la programación de tres “post-secuelas” a la original serie de tres películas. Las últimas tres no llegarán a realizarse, según anunció George Lucas, pero revelan, igualmente, que existe toda una “mitología” que excede el metraje de las películas que ve el espectador. Un caso similar, aunque su origen es literario, se ve en El Señor de los Anillos, que se extiende largamente hacia atrás, y cuyos orígenes pueden leerse en libros como El Silmarillion o El Hobbit, entre otros varios escritos por el mismo autor de la trilogía, J. R. R. Tolkien.

Por situarse en el terreno de la ciencia-ficción, Matrix parece acercarse más a La Guerra de las Galaxias, en tanto el héroe-protagonista es situado en el futuro, en el cual la ciencia y la tecnología cumplen un rol preponderante. Una marcada diferencia con El Señor de los Anillos (situado en un remoto pasado) y Harry Potter, en donde la magia cumple un rol central.

Pero existe otro aspecto, más sutil si se quiere, en el que Matrix se acerca mucho más a El Señor de los Anillos que a las otras películas de su tipo. En efecto, en Matrix se plantea una lucha entre el bien y el mal (algo que está en todos estos filmes), para la cual el héroe parece estar predestinado. Este elemento también aparece en Harry Potter, pero en Matrix y El Señor de los Anillos toma dimensiones “cósmicas”, que acercan al héroe más a Superman que al mago de Hogwarts: tanto Neo (Matrix) como Frodo (El Señor de los Anillos) deben cumplir con su “tarea” para salvar a toda la humanidad.

Es en este punto donde la concepción del hombre (el ser humano) y de toda la realidad -tanto desde el punto de vista filosófico como ontológico- empieza a adquirir cada vez mayor importancia. En el caso de Matrix, el valor de la realidad y la naturaleza real del ser humano pasan a convertirse en ejes argumentales de la película, en los que se insiste de manera persistente y continua. Es este aspecto de Matrix -y su segunda parte, Matrix Recargado– el que analizaremos aquí, vale decir: el estatus ontológico de la realidad concreta, sensible; la dimensión del héroe como figura mesiánica; la incorporación de lenguaje simbólico; y la retraducción de esos símbolos, cuyo significado -esperamos demostrar- pasa a connotar algo muy diferente respecto del símbolo original.

No es el caso de contar toda la película, pero será útil presentar una breve síntesis argumental.

En un futuro no muy lejano, nuestro planeta se encuentra gobernado por supercomputadoras inteligentes, que se rebelaron ante los humanos debido a que éstos agotaron la provisión de energía solar, indispensable para ellas. Las supercomputadoras mantienen a los hombres en estado larval (un virtual coma), alimentándose de ellos. Pero, para mantenerlos vivos por más tiempo, generaron un programa de realidad virtual mediante el cual los seres humanos creen vivir en la Tierra de manera habitual a como lo hacemos hoy en día, aunque en realidad están como dormidos. Lo que parece la realidad no es más que una ilusión, pero es tan real esa ilusión que cuando, por ejemplo, alguien muere en ese mundo virtual (el nuestro), ese alguien muere realmente, debido a su creencia integral en el mundo virtual (una cuestión de sugestión psicológica, en última instancia). Algunos rebeldes que han logrado evadirse de este siniestro juego de realidad virtual, buscan vencer a esas supercomputadoras. Ellos no viven en estado larval, sino que están (junto con sus cuerpos) en una nave, vagando ocultamente por el mundo real. Estos “rebeldes” saben cómo internarse en el mundo virtual para, desde allí, intentar cambiar las cosas.

Ese mundo virtual se llama Matrix, la matriz.

Ya en esta breve recapitulación se reconocen numerosos antecedentes que comparten un argumento similar, literarios en su mayor parte. Por el lado del sometimiento del género humano se pueden mencionar los clásicos de ciencia-ficción de H.G. Wells (especialmente La máquina del tiempo) y las utopías pesimistas de George Orwell y Aldous Huxley (1984 y Un mundo feliz, respectivamente). Por el lado de la independencia (conciencia) de las máquinas, la serie de cuentos de Yo, Robot, de Isaac Asimov. En cuanto a la ilusión del mundo donde vivimos, podríamos mencionar a Platón, o a numerosas corrientes de las grandes religiones (especialmente las orientales), o La vida es sueño de Calderón, entre otros trillados ejemplos, pero quisiéramos recordar dos obras literarias, cuya influencia en Matrix es directa y explícita: Alicia en el país de las maravillas y, especialmente, A través del espejo. (6)

En cuanto a las películas, se han mencionado filmes como 2001, Odisea en el espacio (basada en la novela de otro clásico autor de ciencia-ficción, Arthur C. Clarke), Terminator, Superman y Blade Runner.

Luego hay otras influencias (literarias, cinematográficas y demás), pero no son relevantes para el tema de este artículo. Existe también un enorme número de referencias que se vislumbran en la película, la mayoría de las cuales pasan desapercibidas para el público. Muchas de ellas son importantes para la comprensión de la película, otras no (y quedan como “guiños” o códigos internos de los realizadores).

La matrixmanía ha dado a luz un número inusitado de libros (7), sitios de Internet (8), seminarios y artículos en los que se analiza su universo simbólico. Se lo ha visto como un nuevo evangelio gnóstico, como una retraducción del evangelio de San Marcos (algo admitido por los realizadores), como una parábola de la decadencia de nuestro mundo moderno y materialista, etcétera. Y, como no podía ser de otra manera, se han escrito libros sobre cómo la “filosofía” de Matrix nos puede ayudar a comprender el mundo en que vivimos y, en consecuencia, a vivir mejor.

ANÁLISIS DE CONCEPTOS
A continuación se hará un desarrollo más o menos minucioso de los personajes y eventos de la película, para reconocer en ellos influencias filosóficas y religiosas tradicionales. (9)

  1. Concepción del mundo como ilusión.
  2. Concepción de lo real y de la mente.
  3. El rol del Maestro.
  4. El rol del Elegido.
  5. El rol del Destino.
  1. Concepción del mundo como ilusión.
  2. Lo que parece la realidad no es más que una ilusión, un programa de realidad virtual. La idea de que el mundo no es el fin último de la existencia humana es común prácticamente a todas las religiones. Ya en los orígenes de la filosofía occidental Platón afirmaba que las cosas sensibles (materiales) son reflejos, imágenes, copias, de arquetipos inmutables, eternos. Una doctrina que, bajo el nombre de realismo (luego, idealismo) fue fundante para la Iglesia.

    Pero donde se plantea al mundo como ilusión de manera más radical es en el hinduismo. La frase que resume más sucintamente la doctrina hindú de los grados de realidad es “El mundo es irreal, Brahma (el absoluto) es verdadero”. El mundo, y todo lo creado –según se entiende en el hinduismo– es Mâyâ, lo falso, lo ilusorio. Pero en cuanto la existencia es querida por el Principio absoluto, y depende de ella, se dice que es un “juego divino”.

    El mundo es irreal porque implica relatividad (diferencia y cambio), y todo esto implica cesación de ser.

    La “falsedad” del mundo también se describe claramente en las más importantes escrituras budistas, de la que sólo citaremos las siguientes:

    Los fenómenos de la vida pueden ser comparados a un sueño, un fantasma, una burbuja, una sombra, el brillante rocío o un destello de luz, y así deben ser considerados” (Prajñâ-Pâramitâ (Sutra del diamante), en Withall N. Perry, 2000:102).

    Todas las cosas deben ser contempladas como formas percibidas en una visión y un sueño, vacías de substancia, no nacidas y sin naturaleza propia… (existiendo) sólo en virtud de una complicada red de causalidad que debe su aparición a la discriminación y el apego, y que tiene como resultado la aparición del sistema de la mente con sus estructuras y procesos” (Lankâvatâra Sûtra, subrayado mío, en Withall N. Perry, 2000:102).

    Al igual que entre los hindúes, en Matrix se ve al mundo como un “juego”, pero no un juego divino, sino un perverso juego de dictadores cibernéticos. La metafísica que implica la doctrina hindú de Mâyâ es rebajada a un plano material en Matrix, al postular otra causalidad material, tan relativa como la copia.

    Vivir en un mundo ilusorio implica no tener control real de nuestros actos. Pero ese algo que nos domina, que en las religiones es algo completamente de otro orden de realidad –vale decir, Dios–, en Matrix pasa a ser algo casi decepcionante: otra entidad material, sólo que más poderosa, un primus inter pares, casi. Así es como numerosos actos que entran en el dominio de lo psicológico (o incluso de lo espiritual), en Matrix son explicados mediante una lógica materialista unidireccional que, si bien sorprende por la “explicación lógica”, decepciona por su enorme chatura.

    Esto es algo que se percibe claramente en la Escena del dèja vú.

    Luego de la visita a la Pitonisa, Neo ve un gato sacudirse en un pasillo. Un instante después mira de nuevo al mismo lugar y ve la misma escena. “Dèja vú“, dice, y entonces los demás se dan cuenta de que han sido descubiertos. Un dèja vú es, en realidad, un error en la Matrix, y ocurre cuando las supercomputadoras han cambiado algo en el programa de realidad virtual. La repetición queda como un “salto” en el ensamble con la corriente de los acontecimientos. (10)

    Otras dos escenas de la película muestran con mayor claridad cómo se ha retraducido un concepto de realidad/ilusión perteneciente a doctrinas orientales, manteniendo la estructura aparente, pero apartando su significado original para introducir otro materialista.

    Escena del espejo.
    Los rebeldes llevan a Neo (virtualmente todavía, aunque fuera de la Matrix (11)) a su nave, le dan una píldora y le colocan unos electrodos para poder rastrear su cuerpo real. En ese momento, Neo fija la mirada en un espejo roto, que de pronto se rearma. Lo toca y sus dedos se introducen dentro del espejo. Cuando retira la mano, la sustancia del espejo (como un mercurio pegajoso) empieza a tomarle el cuerpo.

    La escena pretende mostrar de manera “tangible” que todo es ilusión: sabemos que lo que refleja un espejo no es real, ya que no tiene identidad propia. Al meter la mano “dentro” del espejo, Neo percibe por la experiencia que “su” propia realidad no es tan real. El espejo que lo envuelve refuerza esta idea, en donde la sustancia del espejo “devora” al cuerpo de Neo. Ese cuerpo que pronto dejará de existir (porque nunca existió). [Ver más abajo: 4. El rol del elegido, Escena de la liberación.]

    Escena del pequeño buda.
    Neo es llevado a la Pitonisa, para saber si es el Elegido. Lo hacen esperar en una sala en donde hay otros “potenciales” (elegidos, se entiende). Son todos niños. Entre ellos ve a uno de cabeza rapada, vestido con ropas de monje budista. El chico dobla cucharas soperas con la mente. Neo se acerca, el chico le da la cuchara.

    “No trate de doblar la cuchara –le advierte–. Eso es imposible. En vez de eso, sólo trate de darse cuenta de la verdad.”

    “¿Qué verdad?” -pregunta Neo, curioso
    .”No hay cuchara.”

    “¿No hay cuchara?” -repite Neo.
    “Entonces -concluye el niño- verá que la cuchara no se dobla. Es sólo usted (it is only yourself).”

    Ver a alguien doblar cucharas no es algo completamente novedoso para un occidental, desde la aparición de mentalistas famosos, como Uri Geller. Lo que dice el niño budista, es casi una cita literal de lo que podría decir un monje budista. También podríamos reemplazar la cuchara por una cuerda, y tendríamos un ejemplo más acorde con el mundo hindú. (12)

    Lo que se quiere decir -tanto en Matrix como entre los budistas- es que la mente es la causante de las diferencias (ver punto 2, tercer párrafo). La mente, confundida, le da estatus de realidad a las cosas, cuando en realidad éstas no lo tienen. Esto es lo que los hindúes llaman avidyâ (ignorancia, ver más abajo, 4. La concepción de lo real, cita de Mircea Eliade). (13)

    Pero Matrix, nuevamente, rebaja esta simbología al nivel de un juego de video. Las cosas no son reales, no debido a su estatus ontológico limitado, sino a que son parte de un programa de computación. La mente (que en el budismo incluye mucho más que el nivel psicológico que reconoce Occidente) no es ignorante porque le de estatus real a lo material, sino porque cree en la apariencia de ser de las cosas debido a que existe un programa cibernético que engaña a nuestros sentidos. En el hinduismo y en el budismo, en cambio, son nuestros sentidos en cuanto tales los que engañan a la mente, sin necesidad de postular ninguna mega-realidad virtual para producir el engaño.

    Incluso el carácter “abstracto” de la informática es materializado, dada la dificultad de lograr una representación visual inteligible. Es lo que se ve en la escena central de Matrix Recargado, cuando, en la Matrix, Neo le quita a Trinity la bala que acaba de matarla (y la resucita). Se supone que lo que debería estar haciendo es modificar el código o la programación de unos y ceros en la que Trinity aparece herida de muerte -por eso es que la escena se ve como una representación virtual en 3D de color verde, como aparece la Matrix (desnuda) para Neo-, pero lo que ocurre simplemente es que Neo introduce sus dedos en el vientre de Trinity y le extrae la bala.

  3. La concepción de lo real y de la mente.
    Prima en Matrix el concepto de realidad material, concreta. “[Lo real] son impulsos eléctricos que percibe e interpreta el cerebro”, le dice Morpheus a Neo. En tanto que en las doctrinas religiosas, que Matrix toma y retraduce, lo real es concebido como aquello absoluto que no padece cambio, con lo cual lo material y sensible quedaría excluido de este ámbito. En Matrix, en cambio, se trata solamente del concepto de realidad adoptado por el materialismo moderno, que no concibe una realidad que trascienda la materia. Antes de que las máquinas tomaran el poder, “lo real” era el mundo tal como lo conocemos (o creemos conocer) hoy en día, con las categorías tradicionales de espacio, tiempo, materia, forma, etcétera.
  4. Esta diferencia es importante, ya que se toma una simbología cuyo objetivo es específicamente metafísico para incorporarla a una mentalidad específicamente materialista (y no al revés), que es la que predomina en el occidente industrializado.

    Los escurridizos conceptos de “yo”, “mente” e “inteligencia” también están llevados en Matrix al máximo nivel de materialidad posible. Mientras que el hombre común –aún ateo– podría aceptar de buen grado que hay aspectos de su ser que escapan a una reducción material (aunque fuera en el plano de los sentimientos), en Matrix todo tiene un asidero concreto. Existe una concepción materialista de la inteligencia, la cual es concebida como una compleja red de circuitos eléctricos. Este concepto es compartido por numerosos científicos de la actualidad: una inteligencia tal sería capaz de lograrse en una máquina creada por el hombre, sólo que en el estado actual de los conocimientos técnicos y científicos, lograr una “supercomputadora” con una complejidad similar a la del cerebro humano es inviable. (14)

    “Matrix es la proyección mental de tu yo digital”, le dice Morpheus, nuevamente, a Neo. Ese término, “digital”, le da a la frase el sesgo cibernético que le permite apoyarse en lo material. El programa de computación genera ciertos estímulos en la mente, los cuales provocan un entorno determinado, que no es real, sino producido por la mente.

    Encontramos aquí una clara influencia hindú y, sobre todo, budista, según la cual es la mente, en estado de ignorancia, la que cree en la diversidad (“Matrix es el mundo que nos han puesto ante los ojos. Es una prisión para la mente”, dice otra vez Morpheus, adoctrinando a Neo).

    Lo cierto es que para estas doctrinas metafísicas, lo relativo existe en su plano. La ignorancia consiste en atribuirle a este plano de realidad una dimensión total, separada del principio absoluto.

    Nuevamente, las escrituras hindúes dejan en claro el aspecto ilusorio del mundo en cuanto la mente le otorga realidad (o una realidad independiente de su principio causal).

    Debes saber que el mundo, aunque parezca substancial, nada tiene de substancial; es un vacío, una mera apariencia creada por las imágenes y los caprichos de la mente. El mundo es un escenario encantado, presentado por la magia de mâyâ” (Yoga-Vâsistha, en Withall N. Perry, 2000:90).

    El historiador de religiones Mircea Eliade lo explica de manera concisa:

    Al recitar o escuchar un mito […] se supera la situación temporal y la suficiencia obtusa que es el haber de todo ser humano, por el hecho simple de que todo ser humano es un “ignorante”, es decir, que se identifica él, e identifica lo Real, con su propia situación particular. Porque la ignorancia es en primer lugar esta falsa identificación de lo Real con lo que cada uno de nosotros parecemos ser o parecemos poseer” (Mircea Eliade, 1974:65).

    Sin embargo, cuando se ve que el absoluto no puede dejar de ser, y que no puede dejar de ser todo, se ve que lo absoluto está en todo, y que todo es el absoluto. (15)

    En este sentido, un maestro zen chino (Ch’ing-yüan) escribió:

    Antes de que un hombre estudie zen, las montañas son montañas para él, y las aguas son aguas; después de lograr la penetración en la verdad del zen a través de la instrucción de un buen maestro, las montañas no son montañas para él, ni las aguas son aguas; pero después de esto, cuando alcanza realmente la morada del reposo, las montañas son de nuevo montañas y las aguas son aguas.”

  5. El rol del maestro.
    Morpheus, mezcla de San Juan el Bautista con maestro zen, es quien adoctrina a Neo. Como el Bautista, debe preparar el camino para que se cumpla la profecía, y sabe que su discípulo superará al maestro, ya que ésa es su función (la del Elegido). En sus enseñanzas, Morpheus hace hincapié en que él no puede hacer que Neo desarrolle todo su potencial; él debe desarrollarlo desde su interior.
  6. “Estoy tratando de liberar tu mente. Pero sólo tú puedes hacerlo. Yo sólo puedo mostrarte la puerta”, dice en una ocasión. Y más tarde: “Es diferente conocer el camino que recorrerlo”. Esta idea ya se encuentra en Platón, cuando habla de la transmisión del conocimiento, cuando afirma que se puede instruir a otra persona, pero que no se puede transmitir la comprensión de un sujeto a otro. Este precepto está en la base de la anamnesis, o “recuerdo” platónico; es decir, cuando reconocemos una verdad es porque estamos “recordando” esas verdades arquetípicas que el alma conoció en el ámbito intangible de las Formas, en su origen.

    Pero, en el caso de Matrix, la imposibilidad de imprimir la convicción y el conocimiento en otra persona tiene características más bien orientales. Infinidad de maestros zen han tratado el tema, hablando de “desechar las escrituras y hacer uno mismo el propio camino”, lo cual se ha entendido de modo lamentable en Occidente con un sesgo individualista, que no es el caso.

    Esta postura zen puede percibirse en citas como la siguiente:

    Los nombres no tienen nada que ver con el significado real, y el significado real nada tiene que ver con los nombres; si te aferras a los nombres, no podrás percibir el misterio” (Ku-shan, en Thomas Cleary, 1998:62).

    Y de manera más rotunda:

    La mente no puede ser transmitida, es sólo uno mismo quien puede experimentarla y comprenderla” (Ying-an, en Thomas Cleary, 1998:108).

    Pero también se aclara:

    En épocas recientes ha aparecido otro tipo de maestros zen que se hacen famosos durante veinte o treinta años sólo por decir a la gente que no debe prestar atención a las palabras de los demás, y denominan a esta enseñanza “Ir más allá del sonido y de la forma”. Transmitiendo esta distorsionada comprensión, han confundido y perjudicado las enseñanzas zen, engañando y confundiendo a las generaciones más jóvenes” (Yun-feng, en Thomas Cleary, 1998:94).

  7. El rol del Elegido.
    Neo, en una primera instancia, es el buscador, la persona que no está satisfecha con el mundo tal como lo ve, pero tampoco sabe qué es lo que lo deja insatisfecho (16). Por otra parte, es una persona fuertemente racional (17), lo que le hace difícil liberarse de los lazos de la ilusión. Más tarde, él descubrirá que es “el elegido” (the One, anagrama de Neo que, además, significa “nuevo”). En cuanto tal, Neo se hará cada vez más consciente de su verdadera naturaleza, con lo cual logrará vencer a “la Matriz”, porque se dará cuenta, en su más íntimo ser (“realizará”), que la Matrix es una ilusión.
  8. Pero este conocimiento no se agotará en él solo. Una vez que lo sepa, él podrá –y deberá– liberar a los otros seres humanos, envueltos en la ilusión de la Matriz.

    Además del evidente componente mesiánico cristiano, quisiéramos destacar aquí la incorporación de una simbología hindú (y, nuevamente, budista) en el rol del “Elegido”. Esto se ve, en primer lugar, en la Escena del segundo nacimiento.

    Luego de la Escena del Espejo (ver más arriba), Neo ve aterrorizado, cómo la sustancia del espejo lo va cubriendo. En el momento en que está por cubrirlo por completo, el programa de rastreo (recordemos que todo lo que se ve en imágenes en el mundo virtual) ubica su cuerpo. Neo despierta entonces en los “campos de cultivo” humanos, en un cubículo similar a un feto, sumergido en una especie de líquido amniótico y con una serie de cables insertados en su boca, en su nuca y en distintas partes de su cuerpo. Está totalmente desnudo y pelado. Se quita el cable de la boca, el resto de los cables se desprenden por sí solos, y luego cae por un agujero negro hasta un estanque cenagoso. No termina de reponerse cuando desde arriba surge una luz, de la cual sale un gancho que lo toma y lo sube a la nave de la Resistencia.

    Como en segmentos anteriores de la película, ésta es una “materialización” del concepto hindú de “segundo nacimiento”. El hombre que sigue un camino espiritual recibe una iniciación, que equivale a un “segundo nacimiento”. Muere a su existencia corriente, rodeada de contingencia y materialidad, para trascenderla y vivir en una nueva existencia supramaterial.

    Como lo señala Mircea Eliade:

    …se “mata” la propia existencia profana, histórica, ya usada, para reintegrar una existencia inmaculada, abierta, no mancillada por el Tiempo” (Mircea Eliade, 1991:244).

    Y, más tarde:

    Para los primitivos, se muere siempre a algo que no era esencial: se muere, sobre todo a la vida profana. En resumen, la muerte llega a estar considerada como la suprema iniciación, es decir, como el comienzo de una nueva existencia espiritual” (Mircea Eliade, 1991:247).

    Otra escena clave en cuanto al rol mesiánico es cuando Neo se da cuenta “vivencialmente” de que es el Elegido, en la Escena de la liberación.

    Hacia el final de la película Neo se encuentra luchando contra los “agentes” (son personas virtuales, creadas por las computadoras, pero que tienen características especiales -una programación especial, diríamos- que les permiten desarrollar enormes “poderes”). Nadie ha sobrevivido a una lucha contra un agente, pero Neo también ha ido desarrollando poderes, a medida de que va tomando conciencia real de que la Matrix no es real. Después de ser baleado en la Matrix (y revivido por un beso de Trinity a su cuerpo real, en la nave), Neo resucita y se da cuenta de la ilusión de la Matrix. Los agentes le disparan una lluvia de balas y Neo las ve venir con una expresión mezcla de incredulidad y de toma de conciencia. Las balas se detienen antes de alcanzar su cuerpo y caen al suelo. En ese momento, Neo ve a la Matrix, y la ve en código, la ve como es en realidad, sin el ropaje ilusorio. Neo ya es plenamente el Elegido.

    Más allá de la obvia similitud con Jesucristo (18), el concepto hindú que subyace aquí es el de jivan-mukta, el “liberado viviente”. Un ser tal ha trascendido las categorías existenciales ya en esta tierra y sin necesidad de muerte física que lo reintegre al “Más Allá”. Y en cuanto su función es salvadora para el resto de la humanidad, Neo ahora es como un nuevo Buda. (19)

  9. El rol del destino.
    Aquí ingresamos de lleno en el ropaje místico del filme. A pesar de constatar la materialidad (una vulgar computadora, por más poderosa que sea) de la causa del mundo ilusorio en el que vivimos (o en el que viven los integrantes de Matrix), la sucesión de acontecimientos de la historia está envuelta en una serie de causas y efectos que nada tienen que ver con la lógica empírica, sino más bien con una mística, o “espíritu de profecía”, que sobreabunda en las escenas y diálogos de la película. Este último punto está encarnado en el personaje llamado The Oracle (La Pitonisa), extraído sin medias tintas de la religiosidad griega. Era de esperar que, en la segunda parte, se le diera un sustento “cibernético” a The Oracle, como efectivamente se ha hecho (20). En Matrix Recargado nos enteramos de que las máquinas han previsto la aparición del Elegido (no sería el primero), entendido como una anomalía del programa. En cuanto han previsto esta “falla”, también han previsto su neutralización. La “profecía” verbalizada por The Oracle, entonces, no sería verdadera, ya que ella es parte del programa cibernético, y está a su servicio. Pero es de esperar que, finalmente, en la tercera parte (Matrix: Revoluciones), Neo venza a las máquinas, con lo cual el problema vuelve a replantearse: ¿se cumplió la profecía, que es el móvil fundamental de Morpheus y la Resistencia –con lo cual existe la predestinación–, o simplemente los hombres han vencido a las máquinas a pesar de sus esfuerzos (que incluyen la –falsa– predestinación de su derrota), con lo cual el destino es construido por los propios seres humanos? No hay que meditar demasiado para inclinarse por la segunda opción, teniendo en cuenta que es fundamental, para una mentalidad materialista, considerar que es el individuo -sin dependencia trascendente- el que realiza sus propios actos.

En este punto podríamos ir un poco más allá y considerar que el mensaje de Matrix está dirigido propiamente a quitarnos la venda del supuesto religioso que implica la dependencia del individuo de un principio divino: en Matrix Recargado, el “Arquitecto” (nombre que se le ha dado a Dios en ciertas corrientes “esotéricas” cristianas) le muestra a Neo la falsedad de creer que él pueda controlar sus actos. Y como el Arquitecto es la máquina, el enemigo, esta ideología también es contraria al mensaje que intenta transmitir la saga.

BIBLIOGRAFÍA CONSULTADA
Cleary, Thomas (1998). Las enseñanzas del zen, Oniro, Barcelona.

Coomaraswamy, Ananda K. (1997 [1949]). Hinduismo y budismo, Paidós, Barcelona.

Coomaraswamy, Ananda K. (1980). El tiempo y la eternidad, Taurus Ediciones, Madrid.

Eliade, Mircea (1974 [1955]). Imágenes y símbolos, Taurus ediciones, Madrid.

Eliade, Mircea (1991). Mitos, sueños y misterios, Grupo Libro 88, Madrid.

Perry, Whitall N. (2000 [1971]). Tesoro de sabiduría tradicional, José J. de Olañeta, editor, Palma de Mallorca.

Stoddart, William (2002). El hinduismo, José J. de Olañeta, editor, Palma de Mallorca.

Stoddart, William (2002). El budismo, José J. de Olañeta, editor, Palma de Mallorca.

Notas:
1. “Aquellos que […] han vencido la ilusión y la pasión –ya sea real o virtualmente– se han establecido (o se están estableciendo) en Âtmâ […] Hay que añadir inmediatamente que una mala comprensión de esta última doctrina es el más mortífero de los venenos espirituales. El hecho de identificar al alma no regenerada con lo Divino es precisamente el error central de la ideología new age.” William Stoddart (2002:53).[Subir]

2. En su primer fin de semana de estreno en la Argentina, Matrix Recargado se convirtió en el récord absoluto de taquilla para cualquier film: 453.563 personas la vieron en el fin de semana del estreno, más del 70% del total de espectadores de ese período. En Estados Unidos las cifras no son tan resonantes, pero son igualmente altas. El videojuego Enter the Matrix, aparecido a mediados de mayo de 2003, se convirtió en el primer video en vender un millón de copias en la primera semana desde su salida. Su costo (15 millones de dólares) también es récord.[Subir]

3. Debidas no sólo a las computadoras, sino al genio de Woo-ping Yuen, el primer coreógrafo de Jackie Chan y el responsable de las asombrosas escenas en El tigre y el dragón. Matrix fue la primera película en que la destreza de Woo-ping Yuen fue accesible para el gran público, tanto norteamericano como internacional.[Subir]

4. El Señor de los Anillos ya había generado una subcultura durante los años 70, cuando la trilogía se dio a conocer en su forma original de libro.[Subir]

5. Algo que es más habitual –y en este caso la palabra “culto” se acerca más al concepto de “restringido” que tiene en estos ámbitos– en los cómics: no es casual que Matrix haya adoptado la estética y el estilo del cómic y el animé, y los haya llevado al cine.[Subir]

6. No podemos dejar de mencionar aquí el cuento de Jorge Luis Borges, Las ruinas circulares, que plantea de manera genial una realidad ilusoria similar. El cuento incluye, en el encabezado, una cita de A través del espejo: le dice un personaje a Alicia, que ve dormir al Rey Rojo: “eres una parte de su sueño. Y si él dejara de soñarte, te apagarías como una vela”. Cabe recordar que toda la historia es un sueño de Alicia. Las ruinas… se acerca más todavía a otra película de argumento muy similar a Matrix (aunque menos pretenciosa), estrenada el mismo año (1999): Piso 13, donde nuestro mundo es también un juego de realidad virtual, pero creado por otros hombres (verdaderos), no por máquinas. Los actores del mundo virtual tienen conciencia, pero no por eso son menos virtuales.[Subir]

7. Algunos libros sobre el tema que pueden encontrarse en Amazon, son: Taking the Red Pill: Science, Philosophy and Religion in The Matrix (Glenn Yeffeth, editor); The Matrix and Philosophy (William Irwin); Exploring the Matrix: Visions of the Cyber Present (Karen Haber, editor); The Gospel Reloaded: Exploring Spirituality and Faith in The Matrix (Chris Seay, Greg Garrett).[Subir]

8. Algunas direcciones muy útiles a la hora de analizar el simbolismo, influencias, mensajes y “códigos” escondidos en el filme, son: http://www.knowthematrix.com, http://www.matrixfansite.com, http://www.matrixfans.net y http://www.intothematrix.com. también Imdb.com (sin las www) posee excelente información curiosa en la sección “Trivia”, buscando la película ‘Matrix’. [Subir]

9. Hay otras influencias filosóficas (y de otro orden), más modernas, pero no serán tratadas aquí.[Subir]

10. Ejemplos de este tipo pueden verse en infinidad de películas. Sólo un par de ejemplos: Siempre (Always, Steven Spielberg, 1989). Aquí, una persona se mira al espejo y piensa “¡qué cara de estúpido tengo!”, no por un complejo de inferioridad, sino porque se lo sopló un “ángel” (un muerto que deambula temporariamente por la Tierra); Hecho en el Cielo (Made in Heaven, Alan Rudolph, 1987). En este caso, dos personas que viven angustiadas se encuentran de pronto en la calle y se dan cuenta de que son el uno para el otro. La explicación es que ellos se conocieron en el Cielo, antes de “encarnar” en la Tierra, de manera que se estaban buscando sin saberlo (ya que no tenían memoria de lo ocurrido en el Cielo). En estas películas se busca una causalidad que “materializa” un evento no material (aunque sea apelando a ángeles y paraísos). Una primera consecuencia de este sistema de pensamiento es lo que tanto se les critica a las sectas (y, a veces, a las religiones en general): desresponsabilizar la conducta del individuo. Todo lo que uno hace está indicado por un código de computadora, o lo dijo un ángel, o es un recuerdo del Más Allá; lo que parecen ser mis decisiones, son en realidad las decisiones de otro. [Subir]

11. Los rebeldes tienen la posibilidad de crear sus propios programas de realidad virtual, mediante los cuales son capaces de llevar a Neo desde la Matrix a otra realidad virtual (independiente de las supercomputadoras inteligentes); a partir de ese mundo virtual, se buscará localizar su cuerpo y traerlo al mundo real (material).[Subir]

12. Tal vez el “truco” más difundido (figura hasta en los dibujos animados de La Pantera Rosa) de los yoguis (“faquires”) hindúes, sea el de un hombre que lanza una cuerda hacia arriba, la que queda suspendida verticalmente. El hombre sube por la cuerda, luego baja, y deja a la cuerda nuevamente en el suelo. También es común hacer que una cuerda se convierta en una serpiente.[Subir]

13. “La ignorancia de que hablamos […] consiste, pues, en dotar de substancialidad a lo que es meramente fenoménico…” (Ananda K. Coomaraswamy, 1997:104)[Subir]

14. Una idea parecida (una máquina tan compleja que logra adquirir conciencia o “sentimientos”) puede verse en la reciente Inteligencia Artificial, de Steven Spielberg, que también tiene numerosas similitudes con las mencionadas obras de Isaac Asimov.

15. Esta perspectiva –ver a Dios en todas las cosas– es calificada habitualmente de “panteísmo”. Lo cierto es que no puede adjudicarse esta postura (que no es más que un “error lógico”, por parcial) a doctrinas como el budismo o el hinduismo, debido a que siempre se hace hincapié en la trascendencia del principio divino. El tratamiento de este tema llevaría varias páginas pero, en resumen, puede decirse que tanto hindúes como budistas hablan de una identidad “sustancial”, pero no “esencial”.

16. En su primer encuentro, Trinity le dice a Neo: “sé lo que te angustia, sé que lo estás buscando [a Morfeo]”, porque ella también pasó por ese estadío.

17. La primer pregunta de Morfeo a Neo es: “¿Crees en el destino?” “No –es la seca respuesta–. No me gusta pensar que mis actos son controlados por otra persona.”

18. En algunos sitios de Internet se hace notar la analogía entre los 72 segundos que pasan desde que muere Neo hasta que resucita, y los tres días (72 horas) de muerte y resurrección de Cristo.

19. Resulta quizá curioso que Keanu Reeves ya haya realizado ese papel en Pequeño Buda. En El abogado del Diablo, por otra parte, era el hijo de Satanás. Esto no interesa tanto para descifrar algún patrón “oculto” en el actor, como para advertir el creciente interés del público en este tipo de temas religiosos.

20. En Matrix Recargado nos enteramos de que los E.T., ángeles, fantasmas, etc., son programas que se han independizado de la supercomputadora central (la Fuente, la llaman en Matrix Recargado) y que intervienen por su cuenta en la Matrix (“tendrán sus razones”, le dice The Oracle a Neo).

Fuente: http://www.dios.com.ar/notas1/off-line/tv/matrix/The-Matrix_Ensayo.htm

Que es la matrix: http://www.youtube.com/watch?v=3jpzbJBVlQ8

Ver la pelicula online:   http://www.megavideo.com/?s=seriesyonkis&v=D44S6HO8&confirmed=1

Pelicula – The Full Monty

The Full Monty es una película de comedia del año 1997. Narra la historia de seis hombres desempleados que, desesperados ante la necesidad de dinero, buscan casi cualquier manera de conseguirlo. Esto ocurre en la ciudad inglesa de Sheffield, que sufre una gran ola de despidos ante el cierre de varias empresas metalurjicas. En la película se presentan muchas situaciones hilarantes y muchos detalles divertidos, aunque también tiene conmovedores momentos y escenas dramaticas.

The Full Monty se desarrolla en el norte de Gran Bretaña, específicamente en la ciudad de Sheffield, que en los años setenta fue el eje de prosperidad de Yorkshire. Ahí residía más de medio millón de personas, con un importante movimiento económico sustentado por la industria del acero el acero: las fábricas de laminación, las forjas y los talleres que daban empleo directo a casi un veinte por ciento de la población total. La avanzada maquinaria de la que disponían para fabricar el mejor acero del mundo, desde vigas de gran resistencia hasta cubiertos de acero inoxidable que se encontraba en todos los hogares. Fue una de las primeras ciudades planificadas urbanísticamente, donde las barriadas Victorianas hicieron sitio a las casas del futuro. En fin, Sheffield estaba marcando la pauta del desarrollo económico del norte de Inglaterra.

La película inicia haciendo referencia a ese pasado glorioso de Sheffield mediante un cortometraje a manera de documental. La trama se empieza a desarrollar en la ciudad actual, con ambientes urbanos ahora degradados. La reconversión industrial ha transformado a esta región en un páramo donde una gran parte de la población no sólo se ha quedado sin trabajo, sino que también se ha quedado sin ilusiones.

A través de los diferentes personajes se presentan los siniestros del desempleo, que afecta a la mayor parte de la gente. A medida que la trama empieza a tomar forma, vemos como desfilan ante nuestros ojos vidas rotas, precariedad laboral, agencias de empleo, familias divididas y circunstancias familiares especialmente difíciles. Muestra de ello es lo que le toca enfrentar al protagonista, Gaz, quien debido a su falta de ingresos se ve impedido de mantener una relación estable con su pequeño hijo Nathan. Su única alternativa es hacer algo totalmente innovador.

Así, poco a poco idea un plan que va tomando cuerpo en la medida que las circunstancias vitales lo asfixian. Gaz debe encontrar el modo de hacerle una tregua a la vida que lleva hasta ese momento. Con una convicción a prueba de fracasos, se propone salir de este pozo sin fondo en el que se encuentran él, su familia y amigos.

Gaz, su hijo Nat y su amigo Dave, emprenden una descabellada idea: meterse de strippers, o como dicen ellos, de ‘boys’. Esto se les ocurre cuando un show de strippers masculino de verdad llega a la ciudad, y todas las mujeres acuden a verlos en masa. Para ello consiguen la ayuda de Gerald, ex-jefe de ellos, ahora también desempleado, y Lomper, otro ex-obrero al borde del suicidio.

Haciendo algo parecido a un casting, a este grupo se incorporan dos nuevos candidatos al espectáculo: Caballo y Guy, igual de perdedores que los otros cuatro, pero también con las mismas necesidades y el mismo deseo de triunfar. Y así comienzan a ensayar. Desde este momento, Gaz comienza a tener una esperanza para cambiar su situación. Su vida adquiere un sentido, crea un equipo que surge con la fuerza de la misma necesidad.

Pero los problemas comienzan a surgir: Gaz necesita dinero para montar el espectáculo y para pagar la pensión a su ex-mujer, porque de lo contrario pierde la patria potestad de su hijo; Dave, amargado por su peso y por no encontrar trabajo, tiene un brote de impotencia y decide abandonar el espectáculo; la mujer de Gerald descubre, después de seis meses de ocultarlo, que su marido está sin trabajo.

Durante uno de los ensayos en una planta metalúrgica abandonada, los cinco integrantes que quedan son descubiertos por la policía… bailando semidesnudos. Son remitidos a la Delegación de Policía junto -con el menor Nat- y posteriormente exhibidos en todos los diarios, lo que representa un duro golpe a su dignidad. No obstante, esta afrenta se torna a su favor, pues despierta el interés de todas las damas por verlos bailar.

Otros acontecimientos ponen a prueba su valor y su coraje, que por medio de divertidas situaciones los harán demostrar su autenticidad y tomar decisiones importantes para salvar su reputación. Gaz también deberá enseñar a Nathan el sentido de la responsabilidad con su propio ejemplo.

fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/The_Full_Monty

Trailer

Ver pelicula online: http://www.megavideo.com/?s=divxonline.info&v=MPLT15XB

Fin de Semana Infantil.

Y por que no un fin de Semana para los niños y no tan niños, así que preparen sus palomitas, su bebida preferida y a disfrutar de estas 2 buenas  películas.

La Princesa y el Sapo.

El musical El sapo y la princesa (La Princesa Rana), que se desarrolla en Nueva Orleans, la cuna legendaria del jazz, nos presentará a Tiana, la última princesa de Disney. Tiana es una joven afroamericana que vive en el elegante y espléndido Barrio Francés. Las misteriosas tierras bajas y pantanosas de Luisiana (Bayou) y las orillas del todopoderoso río Mississippi sirven de telón de fondo par una inolvidable historia de amor, embrujo y hallazgos, un enternecedor cocodrilo cantarín, llena de encantos y descubrimientos con un conmovedor cocodrilo que canta, hechizos de vudú y el encanto de la música Cajún que lo invade todo.

La Princesa y el Sapo.

Ver Pelicula online: http://www.megavideo.com/?v=TPPLXOQD

Astroboy.

En la futurista Metro City, una extraordinaria ciudad suspendida en el cielo, el brillante Doctor Tenma crea un robot, Astro Boy, a semejanza de su hijo, al que acaba de perder en un terrible accidente. El Doctor dota a su creación de los mejores valores y características del ser humano, a la vez que de increíbles superpoderes. Astro Boy recibirá un duro golpe cuando se entere de que no es un ser humano, sino un robot, y que es imposible que pueda reemplazar al hijo desaparecido del Doctor. Tras huir de la casa paterna, Astro Boy vivirá innumerables aventuras y deberá enfrentarse con el militarista Presidente Stone, que ansía el “Núcleo Azul”, una inagotable fuente de energía alojada en el pecho del niño-robot.

Astroboy

Ver pelicula online: http://www.megavideo.com/?s=dospuntocerovision&v=BHEULMDM&confirmed=1

Pelicula – Guardianes de la noche

Los efectos de esta pelicula rusa estan realizados muy al estilo matrix, se desarrolla dentro de una historia mitica sobre la eterna batalla entre el bien y el mal.

Night Watch (ruso: Ночной дозор, Nochnoy Dozor), llamada Guardianes de la noche en español, es una película rusa basada en la novela fantástica del mismo nombre del escritor ruso Sergei Lukyanenko, publicada en 1998, mientras que la película fue estrenada en 2004.

Es la primera parte de una saga de cuatro libros, que son Guardianes de la noche (Night Watch en inglés; Ночной дозор, Nochnoy Dozor en ruso), Guardianes del día (Day Watch en inglés; Dnevnoy Dozor, Дневной дозор en ruso), Guardianes del Crepúsculo (Twilight Watch en inglés;Сумеречный дозор, Sumerechny Dozor en ruso) y Los Últimos Guardianes (Final Watch en inglés; Последний дозор, Posledniy Dozor en ruso). Sólo se han llevado al cine las dos primeras entregas, pero son, según parece, lo mejor de la saga, pues las otras partes las hizo el escritor por el éxito de las anteriores (el propio Sergei lo admite).

Desde el principio han existido en nuestro mundo aquellos llamados Otros. Gente con cualidades especiales, superiores al hombre, como magosbrujos,mutantescambiantes, los otros de la luz. Por otro lado, hace siglos, existía en Bizancio una mujer bella y joven, a la que alguien maldijo. Allá a donde iba llevaba la desgracia, los animales y los niños morían. Tal maldición creó un vórtice del cuál aparecieron los llamados Otros de la Oscuridad para destruir a la humanidad, a quienes torturaban y mataban. Contra ellos se levantaron los Otros de la Luz, y de ello resultó una temible batalla entre ambos, en la cual cada uno luchaba sin cuartel, y morían en ambos lados. Zavulon, líder de los Otros de la Oscuridad, reía de tal masacre, mientras que Gesar, líder de los Otros de la luz, lloraba. Pararon la batalla, y pactaron una tregua, regida por la Inquisición, que duraría siglos y siglos, hasta la actualidad. Los otros de la Luz se encargan de patrullar por la noche (Guardianes de la noche), deteniendo a aquellos Oscuros que incumplían la tregua, y los de la Oscuridad (Guardianes del Día) hacen lo propio con los de la Luz que incumplan la tregua.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Guardianes_de_la_Noche_(película)

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http://www.megavideo.com/?v=PRWLLO3O

Pelicula – Sexo por Compasion

Dolores una mujer madura y bondadosa es tan buena que su esposo decide dejarla, tal vez porque es muy aburrida o porque le falta algo que el busca, ella es tan buena que le da a los hombres lo que necesitan tan desesperadamente, comprension, aceptacion y amor en otras palabras sexo. En un pequeño pueblo en donde todo es gris por que se ha perdido la alegria ella decide dar su amor a todo aquel que se lo pida, devolviendo asi el color a su pueblo en donde todos extrañaban esos magnificos colores que desde hace tiempo no admiraban.

Interesante historia en donde se muestran los diversos sentimientos de cada uno de los interpretes asi como sus reacciones por tan honorable gesto de Dolores.

Una pelicula por mucho fuera de los estandares que vale la pena ver.

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